Sonny Simmons made a number of striking albums in the 60’s. Born in 1933, he was already a well-travelled Parkerian and a signaled innovator on the West Coast when he first came to national attention in 1963 with his debut recording “The Cry!” (with the Prince Lasha Quintet, on Contemporary), live appearances in NYC with Sonny Rollins, and sessions with Eric Dolphy (for whom he wrote the standard, “Music Matador”) and Coltrane’s rhythm section (”Illumination!”, on Impulse).
SONNY SIMMONS plays with: Cindy Blackman, Joe Bonner, Anthony Braxton, James Carter, Denis Charles, Don Cherry, Earl Cross, Andrew Cyrille, Richard Davis, Barbara Donald, Eric Dolphy, Ray Drummond, Earl Freeman, Jimmy Garrison, Eddie Henderson, John Hicks, Billy Higgins, Bobby Hutcherson, Elvin Jones, Clifford Jordan, Ed Kelly, Oliver Lake, Prince Lasha, Art Lewis, Frank Lowe, Cecil McBee, Michael Marcus, Charles and Charnett Moffett, Grachan Moncur, Sunny Murray, Gary Peacock, Dewey Redman, Sonny Rollins, Woody Shaw, Lonnie Liston Smith, Juma Sultan, Horace Tapscott, McCoy Tyner, Michael White, Bert Wilson, Smiley Winters, Reggie Workman, James Zitro.

The disciple of Charlie Parker. The heir of John Coltrane and Albert Ayler. The partner of Eric Dolphy. Sonny Simmons stands tall.

That’s what he says. Ahead of his time. Of every time. 25th century. Free jazz ? Avant-garde ? One misses the point. He nods his head in disapproval. He’s beyond that - “free jazz”, “avant-garde”. First thing - it’s a vocation. Not a musical style. He couldn’t have done anything else, but “play the horn”. And embrace an extreme lifestyle. PoĂšte maudit.

It’s a mission, too. A spiritual one. His father was baptist preacher and a voodoo priest. He recognizes Albert Ayler both as a master, and a brother. “Music is the healing force of the universe.” He’s a healer. His playing has a soothing quality akin to that of John Coltrane. Once again, it’s beyond notes, chords, improvisation, free or not. Voodoo, eastern philosophy, the Church, the blues - he’s a synthesis, his music, a succesful syncretism. “Prophet.” Performing an Ancient Ritual. Telling the Tales of the Ancient East.

What else do we learn from such an impressive list ? He’s firmly rooted in a tradition. He’s a disciple of Charlie Parker. Not only a master saxophonist : it’s all about excitement. Inspiration. Bandstand hero, dressed in black. Soft lights through the cloudy cigarettes, glasses ringing in the midst of the bass solo. Elegiac (Dolphy, again). The good side of the legacy. The dark (and necessary) side, too : urban roots, bad guy, competition, survival of the toughest in the American Jungle.

There would be many other facets to explore. A black revolutionnary. A composer. A man who’s been under more than once, but never failed to resurface, drawing cohorts of faithful fans; homeless at the time he made the encyclopedias; busier than ever in the new Millenium, when the jazz world thought him out of notice.

“Be yourself” says he. “It’s not about Sonny Simmons, it’s not about the here and now, it’s about YOU.” So, why a Sonny Simmons homepage ? For all the above reasons, and more. 9 times out of 10, a man is a legend because his true self his unknown to his contemporaries. We at Hello World ! dare hope that our work will expand the knowledge of this essential and leading figure - the past, present and future of our music.
“Be yourself. Please do that.”

Though not a die-hard avant-gardist (like Ornette Coleman and Jimmy Lyons, other alto sax luminaries from the same generation, he sticks in his own provocative way to the tradition), he was then a leading figure of the Free Jazz scene in NYC with his wife Barbara Donald, cutting legendary records for ESP in 1966, “Staying On The Watch” and “Music From The Spheres”. Back in California, he made an acclaimed appearance at the Jazz Symposyum in Berkeley (1969). He became an underground hero with the likes of Bert Wilson, James Zitro, Smiley Winters and producer James Bronson Jr. The period also provided landmark records for Arhoolie (”Manhattan Egos”) and Contemporary (”Firebirds”, “Rumasuma”, “Burning Spirits”), which met international response.
Then - nothing. Sonny Simmons suffered a spectacular eclipse during the 70’s and the 80’s. With the West Coast no longer providing work, family and personal problems, his career collapsed.
He ended up in the streets. Playing kept him alive, and he managed to maintain working groups throughout most of this “lost periode”, producing hours of incredible music (which are still to be released : check out the rare documented traces of this activity, “Backwoods Suite”, “Global Jungle” and the solo tour-de-force, “Jewels”, to make sure his musical powers remained untouched).
Accordingly, his come-back had to be spectacular, too. He began to build a local reputation again. Word-of-mouth, helping souls and hard work made the rest : by the time he went to Europe (1994), he had an album on Warner, “Ancient Ritual”. Actually, the title he had first choosen says it all : Reincarnation. He made a strong impression in festivals (Montreal, Moers, Willisau, Helsinki…), on record (”American Jungle”, Warner, “Judgement Day”, CIMP), appeared at the Irridium, at the Knitting Factory.
But somehow, he felt he had to bring forth something different. After a period of lesser activity (while living in France, he kept on touring, notably with Oliver Lake and Sunny Murray, but didn’t record), he re-emerged in 2000 with richer, brilliant concepts.
With his alter-ego Michael Marcus, he founded the Cosmosamatics, a group with which he enjoys the greatest of achievements. Hugely popular in Europe, where they tour frequently, they have recorded seven albums (most notably for Boxholder, Soul Note and Not Two: “Zetrons”, 2005), building one of the most distinctive sound nowadays. The next album, “Free Within The Law”, is due for release on Not Two in March of 2007.
Besides, he led varied projects of his own, ranging from a classy quintet date for Marge, “Myxolydis”, to a mammoth sextet with Anthony Braxton and another group, the Renegade Society, both resurrecting the “ol’ free jazz” feel. Many gems pave his new way : further solo tapestries (”Out Into The Andromeda”, “Live At Rive De Gier”), a magical evocation of the powers of eastern musical idioms (”Tales Of The Ancient East”), an up-to-date association with noise wizzard Jeff Shurdut (”The Future Is Ancient”, “Zebulon 1”), an atmospheric masterpiece full of strings, scorching alto lines and sunsets (”The Traveller”). The latter association with Jazzaway records also provided a bare-to-the-bone collection of duets, “I’ll See You When You Get There”, and a lavish collaboration with the Svein Olav Herstad trio, “Live at Haugesund”.
His current projects include an association with french poet Bruno Grégoire (new album available) and a working trio based in Paris, the Triangular Force, with Gildas Scouarnec on bass and Jean-Luc Roumier on guitar.
Born: August 4, 1933
United States
All About Jazz URL


Paul Lovens

Paul Lovens played the drums as a child. Self-taught, from the age of 14 he played in groups of various jazz styles and popular musics and from 1969 has worked almost exclusively as an improvisor on individually selected instruments. He has worked internationally with most of the leading musicians in free jazz and free improvisation, among whom have included the Globe Unity Orchestra, the Berlin Contemporary Jazz Orchestra, the Schlippenbach trio, Quintet Moderne, Company, and a duo with Paul Lytton. He has undertaken concert tours in more than 40 countries, is a founder member of a musician’s cooperative and has produced recordings for his own label, Po Torch Records since 1976. He has worked with painter Herbert Bardenheuer. Despite very rare solo performances, and although giving occasional concerts with ad-hoc groups and an involvement in projects with film, dance and actors, Paul Lovens’ main interest and work is musical improvisation in fixed small groups. In the mid-1990s these small groups numbered around 16, of which a few were part of a special selection, called ‘vermögen’.

Paul Lovens somehow epitomises the free drummer/percussionist who is not there to lay down the beat and kick everyone else into action but to listen, colour, contribute, guide, and occasionally direct, the overall cooperative sound. In concert one cannot fail to be moved by his intensity and concentration and there is an overiding feeling that even the most random events are somehow planned in time. In this respect, there is a nice irony that on the Nothing to read CD with Mats Gustafsson, Lovens describes his kit as consisting of ’selected and unselected drums and cymbals’. Miking seems to be a problem at times with some recordings giving him undue prominence and others insufficient. Good recordings are Elf bagatellen, Nothing to read, Pakistani pomade, and ,stranger than love.

Further information
Blackford, Chris (1991), Paul Lovens: percussion, Rubberneck, no. 9, pp. 8-10.

Cook, Richard (1986). The inclined sticks: Paul Lovens and Paul Lytton, The Wire, no. 34/35, (December/January), pp. 32-34.

Whitehead, Kevin (1994). 1994 du Maurier Ltd International Jazz Festival Vancouver, Coda, no. 258, (November/December), pp. 34-35. Within this overall review of the festival there is a photograph and a column describing some of the methods Lovens uses to gain his unique sound; very good and involving writing.

Recordings: more then 100



trombettista, compositore ed improvvisatore svizzero.
Risiede per 12 anni a Berlino, collabora con: Jim Menesses, Stephen Buchanan,
Mani Neumeier, Pavel Fajt, Wolfgang Fuchs, Axel Nowitz, Olaf Rupp, Hano Leichtmann
Peter Kowald, George Lewis, Paul Lovens, Joelle LĂšandre, Sonny Simmons, Clayton Thomas,
Alexander von Schlippenbach … . Dal 1997 membro dell’ensemble di Joelle LĂ©andre
concerti a Brema, Metz, Marseille, Parigi, NewYork…
Riceve diverse composizioni su comanda; “50 anni dopo guerra”per Violino, Tromba,
Pianoforte e nastro magnetico; commissionato dal “Heimat-museum am Tiergarten” Berlino,
o “Aeskulap I”per la solista Sabine Öhring compone per chitarra acustica ed elettronica
la prima al “Konzerthaus Berlin”.
Musica da camera con “Margaretes Zimmer”(voce soprano, tromba, contrabasso)
primo premio al “Infernale Festival” della “Hochschule der KĂŒnste” Berlino 1995.
Musica dal vivo per la ballerina greca Toula Limnaios,”Tanztage Pfefferberg” e
all’ “Akademie der KĂŒnste” Berlino.
Crea il progetto audio visivo “GelĂ©e Royale”,Il progetto riceve il premio culturale
della “Freien UniversitĂ€t di Herisau”(CH) che permette la produzione del CD “Il giardino animato”.
Grazie al“Acting Training Center Berlin” GelĂ©e Royale produce il CD del concerto
live al “Roten Salon der Berliner VolksbĂŒhne”e nel 2000 invito in russia dal “Goethe-Institut”.
Guy Bettini scrive e dirige una composizione per 14 Harley Davidson,
“Kleines Motorrad Konzert fĂŒr eine Straße”, in occasione dei festeggiamenti
della riapertura della Wilhelmienenstrasse della cittĂĄ di Berlino.
La collaborazione con DJ Orlow (Drum&Bass) lo porta a suonare a piĂș festival.
Con il gruppo “Perla Nera” vince la borsa anno 2000 del senato berlinese nella sezione jazz.
“Aria” Ă© una installazione sonora nel bosco della “Fondazione Edmund Simers” ad Amburgo,
pubblicata sul CD del catalogo “AtmosphĂ€ren einer Landschaft” Schmokbachtal 1997 & 2000.
”MonotonF” suono per il video-ambiente dell’artista Ute Mayer all’ “Akademie der KĂŒnste Berlin”.
Invito dal “Ernst-Bloch-Zentrum” di Ludwigshafen per un collage testo-suono,
“Gehen in der Stille”, su Ernst Bloch con la partecipazione del Prof. Dr. Walter Jens.
“Abracadabra” una messa in scena, per monologo sonorizzato, presentato al Festival
“Zwischen Bild und Ton” di Stralsund, con pubblicazione sul CD del catalogo.
Composizione e regia per il libro sonoro “AltagistĂŒberall-anders” con poesie di Bertold Diel.
Composizione e regia per il libro sonoro “Gen-analogie”con testi della Dr. Barbara Strohschein.
In occasione della vernice della sua installazione sonora “auDio”,allo STUDIOCRISTINADELPONTE
di Locarno, mette in scena un concerto per i 4 campanili del locarnese dal titolo “AVE”.
Concerti con il gruppo drum&bass “Human Sampler”e pubblicazione del CD “Space News”
nel catalogo “via fenestra”dell’Europa-UniversitĂ€t Viadrina Francoforte.
“Die Mundscheinserenate” un’acquarello sonoro con testi di Natalie Peters presentato
all’inaugurazione die “Rohkunstbau” nel castello die Groß Leuthen / Spreewald (D).
“Taboula Rasa” opera commissionata dal Festival di cultura e musica jazz di Chiasso 2005.
”Camera Obscura” solo di tromba ed elettronica per il museo comunale di Ascona 2006.
The Joe GuylĂČ trio con Joelle LĂ©andre e Paul Lovens al Festival AL3 musiche di Losone (CH) 2008.
Freenology quartetto con il mitico Sonny Simmons, Paul Lovens e Clayton Thomas,
2008 concerti in svizzera e italia e al Festival Uncool 2009 di Poschiavo e in luglio 2011 al Festival Jazz at Luz
L’orchestre du bois, installazione sonora per le bois de la Batie a Ginevra, prodotto dalla Terasse du Troc 2010.

Clayton Thomas
Clayton Thomas is a double bassist and grass roots organiser working in the broad spectrum of improvised and experimental music. He is Australian, but lives in Berlin.
I’m trying to work out a physical activity equally engaged in electronic and acoustic music aesthetics, while maintaining the kind of transitional and transformative energy of the music that changed my life. I draw inspiration from creative music of all eras, happily learning from and engaging with improvisers, sound artists, composers and thinkers alive and kicking in the 21st century.

I have been inspired and pushed by many great musicians, but would especially thank Jon Rose, Jim Denley, Andrew Meisel, Cooper-Moore, Tony Buck and Hollis Taylor for doing some real work on the topic.

All my music is dedicated to my first teachers, Wilber Morris and Peter Kowald.

Current Projects:
Trio AUS with Johannes Bauer and Tony Buck
HAMMERIVER with Clare Cooper, Chris Abrahams, Tobias Delius, Christof Kurzmann, Werner Dafeldecker and TB
CODE with Ken Vandermark, Max Nagl & Wolfgang Reisinger
Creoles with Jim Denley
Substation with Robin Fox
The Homeopaths with Kai Fagachinski, Andrea Neumann and Morten Olsen
TRUNCADOR synthesiser duo with Chris Abrahams
Dafeldecker/Thomas Duo
Invisible Cinema with Jean-Luc Guionnet, Axel Dorner and Tony Buck
The Berlin Meeting with Johannes Bauer, Rudi Mahall, Uli Gumpert and Michael Zerang
The Tim O’Dwyer Trio with Darren Moore and TOD
All The Buttons with Clare Cooper
Momentum with Anat Cohavi, Michael Thieke and Christian Marien
The Fundamentalists with Wilbert DeJoode and Peter Jacquemyn
Berlin Noise Incubator with Burkhard Beins, Thomas Ankersmit & Ignatz Schick
Asi Foecker Unit with Andy Moor and Tony Buck
GGT Trio with Jean-Luc Guionnet and Will Guthrie

As well as collaborations with Paul Lovens, , Peter Brotzmann, Anthea Caddy, Andre Vida, Steve Heather, Magda Mayas, Matthias Muller, Manon-Liu Winter, Hannes Loeschel, Sherif and Christine Sehnaoui, Franz Hautzinger, The Ex, Georg Graewe and DD Kern.
He is also the founder of the NOW now festival of improvised music and the leader of the 30 piece electro-acoustic ensemble The Splinter Orchestra.

Broken River The Tim O’Dwyer Trio
Sonny Simmons Renegade Society with Brandon Evans & Andrew Barker
Creoles with Jim Denley
Artery with Jon Rose & Chris Abrahams
The Splinter Orchestra
MAP with Mary Halvorson & Tatsuya Nakatani
Substation with Robin Fox
Raw Square with Mathew Ottignon

Alexander von Schlippenbach
One of Europe’s premier free jazz bandleaders, pianist Alexander von Schlippenbach’s music
mixes free and contemporary classical elements,
with his slashing solos often the link between the two in his compositions.
Schlippenbach formed The Globe Unity Orchestra in 1966 to perform the piece”Globe Unity,
which had been commissioned by the Berliner Jazztage.
He remained involved with the orchestra into the ’80s. Schlippenbach began taking lessons at
eight, and studied at the Staatliche Hochschule for Musik in Cologne with composers
Bernd Alois Zimmermann and Rudolf Petzold.
He played with Gunther Hampel in 1963, and was in Manfred Schoof’s quintet from 1964 to 1967.
Schlippenbach began heading various bands after 1967, among them 1970 trio with Evan Parker
and Paul Lovens and a duo with Sven-Ake Johansson which they co-formed in 1976.
Schlippenbach has also given many solos performances.
In the late ’80s, he formed the Berlin Contemporary Jazz Orchestra,which has featured a number
ofesteemed European avant-garde jazz musicians including Evan Parker, Paul Lovens,
KennyWheeler, Misha Mengelberg and Aki Takase.
During the 90`s Duo work with Tony Oxley, Sam Rivers and Aki Takase.
1999 started performance and radiorecording of Thelonius Monks complete works,
(all the compositions) with Rudi Mahall and his group.
Awards: “Kunstpreis der Stadt Berlin “(1976),” Schallplattenpreise der UDJ”(1980/1981),
“Albert Mangelsdorff Preis” (1994)
The German Record Critics Award : “Monks Casino” 2005/3
The “SWR-Jazz Award” 2007



IrĂšne Schweizer: Piano
Pierre Favre: Drums

Welch’ Wunder: temperamentvolle Dame, selbst halb Perkussionistin, da reizen sich die Rhythmen und treiben sich gegenseitig zu jenen prickelnden Stimmungsbildern. Der kleinsten gemeinsamen Einheit des improvisierten Jazz huldigen, die einsame Phantasie des Solisten reicht der Zwiesprache mit jener des anderen die Hand. Favre und Schweizer kennen sich, nebenbei bemerkt, zudem schon aus Jahrzehnten gemeinsamen Spiels. Und so entwickelt sich zwischen dem poetisch-sensibel spielenden Herrn und der entfesselten Dame jene energetisch treibende Zwiesprache, zugleich intim und radikal, die so schön ĂŒber den RĂŒcken saust und am Trommelfell nagt.

Barbara Praetorius, Jazzthetik, Deutschland

Here IrĂšne Schweizer teams up with countryman and frequent collaborator Pierre Favre in a per-formance recorded live in Bern. Cecil Taylor looms large as an influence in Schweizer’s style (as he does with many contemporary pianists), particularly in the intricate flights of her left hand. But it would be dead wrong to dismiss her as a Taylor imitator. Schweizer’s dynamics - her range of technique (plucking the strings inside the piano, for instance) and her melodic and lyrical sensibilities - are entirely her own. Schweizer also draws on the European tradition, as in the wry «Una Tarantella Fantastica», a romp evoking a carnival carousel. The centerpiece of this performance, «Flying Over the Limmat», soars through various styles, starting with a stormy free passage and moving into a 4/4 march. Favre makes extensive use of his percussion kit, playing cowbells, chattering rimshots, woodblocks and some beautiful mallet work on the toms. If your taste runs to the European impov scene, Schweizer and Favre’s music should be a delight.

John Baxter, Option. Los Angeles, USA

I due avevano suonato insieme la prima volta nel 1967, a un Festival di Montreux; poi i loro incontri si erano rarefatti, soprattutto perchĂ© il batterista ha sempre calibrato la sua lunga carriera con estrema parsimonia, mantenendo un’integritĂ  da superbo professionista. Favre Ăš una sorta di scienziato della percussione che con gli anni ha distillato un linguaggio molto sofisticato nell’uso dei timbri, di densitĂ  variabilissimi, ma non altrettanto elastico, governato da una sorta di immobilitĂ  nella pulsazione di fondo. Il suo drumming sembra un casellario sterminato di colori e metriche, ma nel passaggio da una casella all’altra non c’Ăš imprevedibilitĂ . Tuttavia con il piano di Schweizer, sempre piĂč percussivo, articolato per note singole, in questi undici brani spesso totalmente improvvisati Favre si integra perfettamente, riceve energia e ricambia con dovizia di echi. Il disco Ăš tratto da due concerti dal vivo. Gli applausi che risuonano frequenti sono tutti da condividere.

G. D. B. Musica Jazz, Italia



Joëlle Léandre, contrabbassista, improvvisatrice e compositrice francese é una delle figure
predominanti nella nuova musica europea. Formazione classica orchestrale e della musica
contemporanea, ha suonato con l’ItinĂ©raire, 2e2m e con l’Ensemble Intercontemporaine
di Pierre Boulez. JoĂ«lle LĂ©andre ha lavorato con Merce Cunningham e John Cage; quest’ultimo insieme a Scelsi, FĂ©nelon, Hersant, Lacy, Campana, Jolas, ClĂ©menti e una quarantina di altri
compositori hanno composto per lei.
Al di la della musica contemporanea Joëlle Léandre ha lavorato con i grandi nomi del Jazz
e della musica improvvisata, Derek Bailey, Antony Braxton, George Lewis, Evan Parker, IrĂšne Schweizer, Barre Phillips, Steve Lacy, Lauren Newton, Fred Frith, Peter Kowald, Urs Leimgruber, Mark Nauseef, Marilyn Crispell, India Cooke, John Zorn e tanti altri.
Ha composto musica per danza, film e teatro. Riceve la borsa DAAD di Berlino 1994
(uno dei massimi riconoscimenti per artisti non tedeschi), invito a risiedere alla villa
Kujiyama di Kyoto. Nel 2002, 2004 e 2006 riceve la cattedra di improvvisazione e composizione Darius Milhaud del Mills College di Oakland (California).
Dal 1981 al 2007 Joëlle Léandre ha registrato 120 dischi.


JoĂ«lle LĂ©andre, contrebassiste, improvisatrice et compositrice française, est une des figures dominantes de la nouvelle musique europĂ©enne. FormĂ©e Ă  la musique d’orchestre et Ă  la musique contemporaine, elle a jouĂ© avec ItinĂ©raire, 2e2m et l’Ensemble intercontemporain de Pierre Boulez. JoĂ«lle LĂ©andre a aussi travaillĂ© avec Merce Cunningham et John Cage; celui-ci ainsi que Scelsi, FĂ©nelon, Jolas et ClĂ©menti ont composĂ© spĂ©cialement pour elle. Outre la musique contemporaine, LĂ©andre a travaillĂ© avec les grands noms du jazz et de l’improvisation, avec Derek Beley, Anthony Braxton, Georges Lewis, Evan Parker, IrĂšne Schweizer, Steve Lacy, Fred Frith, John Zorn. Elle a beaucoup Ă©crit pour la danse, le thĂ©Ăątre et rĂ©alisĂ© plusieurs performances multidisciplinaires. Son rayonnement est international; ses activitĂ©s de crĂ©atrice et d’interprĂšte tant en solo qu’en ensemble l’ont amenĂ©e sur les plus prestigieuses scĂšnes europĂ©ennes, amĂ©ricaines et asiatiques. JoĂ«lle LĂ©andre a enregistrĂ© plus d’une centaine de disques.


Gabriele Pezzoli

nato a Locarno nel 1973, da oltre un decennio si dedica alla produzione e allo sviluppo di progetti
musicali nel poliedrico ruolo di pianista, compositore e arrangiatore. Ha registrato concerti dal vivo per la
SSR SRG, la RAI e Radio France e partecipato a trasmissioni radiofoniche e televisive. Si Ăš esibito alla borsa
dello spettacolo di Thun, alla Kulturmesse Freiburg (D) e in piĂč di 200 concerti in festival, club e teatri in Svizzera,
Italia e Germania.
Diplomato all’École de Jazz et Musique Actuelle (EJMA) di Losanna, si ù perfezionato in seguito con il pianista
statunitense Richie Beirach, una delle piĂč influenti figure del jazz contemporaneo.
Accreditato alla formazione professionale presso l’Accademia Svizzera di Musica e Pedagogia Musicale (ASMP),
alterna all’attivitĂ  artistica un’’D5intensa attivitĂ  didattica. Nel 2007 ottiene un Master in Artiterapia presso la Libera
Accademia di Belle Arti (LABA) di Brescia.
Alla fine degli anni ’’90, il pianista ticinese Gabriele Pezzoli incontra a Losanna il contrabbassista CĂ©dric Gysler
e il batterista Roberto Titocci, con i quali condivide numerose esperienze musicali che contribuiscono ad accrescere
la loro intesa.
Questa collaborazione confluisce alcuni anni piĂč tardi nella creazione del trio con pianoforte: una formazione
classica del jazz che rappresenta una sfida appassionante per ogni musicista e che, grazie al continuo rinnovamento
stilistico ed espressivo, gode di un vivo interesse da parte di un pubblico eterogeneo.
Nel 2006, con la pubblicazione del CD “’D’Improvviso”, il trio raggiunge la desiderata alchimia sonora e suscita
l’interesse dell’etichetta discografica svizzera TCB –’The Montreux Jazz Label che, grazie ai propri partner internazionali,
garantirĂ  la distribuzione del CD su scala mondiale. Il disco ottiene recensioni dalla stampa internazionale
e la programmazione regolare sulle onde di Radio Swiss Jazz. Nel corso del primo tour promozionale,
il trio si esibisce dal vivo anche per i concerti Jazz della Rete2 della Radio Svizzera Italiana e per l’emittente
romanda RSR Espace2.

“Un orizzonte sonoro di calma apparente rende ogni brano elettrizzante e imprevedibile, sospeso tra l’idea di movimento e quella di riflessione.”
Corriere del Ticino - Svizzera

“Il trio di Gabriele Pezzoli ù qualcosa di speciale - luci spente e ascoltare.”
Jazz Things - Germania

“Delicati acquarelli sonori in cui emerge uno spirito crepuscolare ed intimista, un tocco delicato e carico di intensità.”
Extra CdT - Svizzera

“Leggerezza e grande respiro. Emerge una consonanza chiara, equilibrata e ricca di colori.”
Jazzflits - Olanda

“Maestria e sensibilità
’ un’’atmosfera lirica, sognante.”
Azione - Svizzera

“Suggestivo, elegante e suonato ai massimi livelli: un trio di fuoriclasse.” - Germania

Anthony Chretien

Nato a Parigi nel 1970, con formazione nelle arti applicate e le belle arti, sviluppa il suo percorso artistico-professionale attraverso numerose esperienze e collaborazioni in Europa (Italia, Danimarca, Belgio, Francia, Svizzera). I suoi molteplici interessi l’hanno condotto a realizzare progetti eclettici in interazione con le altre arti.
Sviluppa a fine 2007 dopo una ricerca nelle arti plastiche, una serie di performance sonore e pittoriche intitolate “SENZA TITOLO”, che si svolgeranno al Buffet della Fabbrica a Losone a scadenze mensili.
Un processo creativo costruito su una ricerca della “coscienza primitiva”, che si basa sulla creazione in live di un disegno al carboncino su un foglio di circa 4m2 e di una seconda sperimentazione sul suono non strumentale. Queste sonoritĂ  registrate, modificate poi triturate e ripetute, diventano la “colonna vertebrale” di questa serie di improvvisazioni favorendo il risveglio di questa “coscienza primitiva” manifestata immediatamente attraverso l’espressione spontanea pittorica. Il desiderio di produrre delle nuove interazioni con altri artisti, con il movimento, la voce e il suono, completa questo processo creativo “SENZA TITOLO”, che si declinerĂ  a partire da giugno 2008 in altri diversi progetti di improvvisazione artistica.



un collettivo di musicisti
q3 prende avvio nel 2004 riunendo in trio i fratelli nolan, simon e brian quinn. la particolaritĂ  del loro repertorio di composizioni
originali risiede nell’abile fusione di elementi jazz con ritmiche e sonoritĂ  drum’n’bass. nel 2005 viene pubblicato on cue, primo album del trio, coprodotto dalla radio svizzera di lingua italiana e distribuito dall’etichetta altrisuoni. ospite di festival e locali in tutta europa,
il trio si aggiudica il nescafĂ© gold jazz award 2005, il zkb jazzpreis 2006 e il premio best band in occasione del bucharest international jazz competition 2007. avviene nel 2006 la collaborazione con il regista stefano knuchel e il videoanimatore gionata zanetta, con cui producono il dvd introducing q3 live and on tour pubblicato nel 2007 in occasione del 60° festival internazionale del film di locarno. ai tre fratelli viene inoltre commissionata una sonorizzazione originale dello storico film muto nanuk l’eschimese (robert flaherty, 1922): l’ottimo riscontro di pubblico e critica cagiona numerose repliche in svizzera e in italia. con l’autore-cantante gionata, q3 contribuisce un brano all’album tributo a vasco rossi pubblicato dalla rivista musicale mucchio selvaggio nel settembre 2008. nel primo 2008 nolan interrompe la sua attivitĂ , segnando l’evoluzione di q3 dal trio al collettivo di musicisti che riunisce intorno al tandem ritmico di simon e brian quinn numerosi strumentisti: insieme al vibrafonista luca gusella e trombettista michael neff propongono brani originali di composizione assai recente tendenti a sonoritĂ  contemporanee, mentre il tenorsassofonista max pizio e il pianista gabriele pezzoli completano un progetto elettrico a cui partecipa regolarmente il parigino sosa dj. max de aloe, armonicista e fisarmonicista, integra la sonorizzazione dal vivo del film muto nanuk l’eschimese.
nanuk l’eschimese
nanook of the north, usa, 1922, 78 minuti
regia_robert flaherty
sceneggiatura, fotografia e montaggio_robert flaherty
musiche originali_stanley silverman
produzione_revillon frĂšres
la vita di un eschimese, nanuk, e della sua famiglia, composta dalla moglie nyla e dai loro figli Ăš seguita nella dura vita quotidiana, da un’estate all’inverno successivo, in uno dei villaggi nei pressi della baia di hudson. questo film Ăš considerato il primo fondamentale esempio di cinema documentario che ottenne un successo mondiale ed ebbe una profonda influenza sui cineasti successivi. a metĂ  strada tra il film antropologico e il documentario didattico, Ăš probabilmente uno dei documentari piĂč famosi al mondo. girato con attori non professionisti e due cineprese akeley con l’appoggio finanziario della ditta revillon frĂšres, commercianti francesi di pellicce, dall’allora esploratore robert flaherty, che realizzĂČ il film in due anni (1920-21) di lunghi pellegrinaggi nel circolo polare artico a temperature proibitive. nanuk l’eschimese Ăš un’opera che conserva ancora oggi un grande fascino. flaherty, convinto assertore di un “cinema-verità” che non rinuncia alla ricostruzione poetica del reale, riprendeva gli eschimesi con un interesse sincero, tanto che proiettava loro il girato e con loro decideva le sequenze da girare; contro ogni esotismo, metteva in luce le caratteristiche di una civiltĂ  che vanta una propria tecnica (la costruzione dell’igloo), che provvede con ingegno ai propri bisogni (la caccia alla foca), che affonda con coraggio le proprie catastrofi (la tempesta di neve). il confronto/scontro fra l’uomo e la natura Ăš un’esaltazione continua delle rispettive dignitĂ . l’eschimese nanuk morĂŹ di stenti due anni dopo la fine delle riprese. “quello che conta per flaherty di fronte a nanuk che caccia la foca Ăš il rapporto tra nanuk e l’animale, l’ampiezza reale dell’attesa. il montaggio potrebbe suggerire il tempo ma flaherty si limita a mostrarci l’attesa; la durata della caccia Ăš la sostanza stessa dell’immagine, il suo vero oggetto.” (andrĂ© bazin, che cos’ù il cinema, ed. garzanti).
q3 e la musicazione di nanuk l’eschimese una colonna sonora originale per il noto documentario a cavallo del 2006 e 2007, su iniziativa dell’ufficio cultura del comune di chiasso e dell’associazione musica nel mendrisiotto viene commissionata al giovane trio ticinese q3, composto dai fratelli nolan (tromba, pianoforte elettrico rhodes, samples), simon (contrabbasso), e brian quinn (batteria), una sonorizzazione originale di una delle pellicole piĂč importanti della storia del cinema. per il documentario nanuk l’eschimese del regista robert flaherty, risalente al 1922, i tre fratelli hanno scelto di comporre ex novo ottanta minuti di musica originale, non riciclando alcunchĂ© del loro repertorio abituale, tuttavia allargando lo spettro timbrico del loro trio con l’aggiunta di ulteriori strumenti: fra gli altri il flicorno, il basso tuba, il vibrafono e il pianoforte. a tratti si sono mantenute le ritmiche e sonoritĂ  drum’n’bass, nonchĂ© la consueta implicita strizzatina d’occhio, caratteristiche salienti della musica del trio. considerato il valore sia artistico che storico della pellicola, questa nuova colonna sonora Ăš stata da principio volutamente impostata come commento musicale all’immagine, con - come unica pretesa - la volontĂ  di sostenere o addirittura esaltare le emozioni innescate dalle straordinarie inquadrature. di conseguenza ne Ăš risultata una sequenza di temi con funzione quasi didascalica, meticolosamente organizzati in un’architettura precisa che intende esplicitare quella data da flaherty al proprio film. attraverso la sostituzione di nolan quinn con il musicista max de aloe, avvenuta nel 2008, la colonna sonora mantiene a tutti gli effetti la ricchezza timbrica che gli Ăš propria, destreggiandosi max fra armonica cromatica, armonica cromatica bassa, fisarmonica, pianoforte elettrico rhodes, pianoforte acustico e live elecctronics.

Lo chiamano “djing distruttivo” ed Ăš una tendenza che mette insieme le pratiche dei manipolatori di giradischi (il cosiddetto turntablism) con l’attenzione nei confronti dei suoni concreti catturati sul campo e ricombinati poi in studio, oppure creati e ricombinati direttamente dal vivo (la cosiddetta musique concrĂ©te di parigina memoria). L’atteggiamento non Ăš nuovo, ma sembra oggi aver trovato un’inedita spinta radicale, che determina scelte sempre piĂč felicemente adagiate sul terreno del rumore giocato sulle microfrequenze, come quelle di una testina che salta. Claudio Rocchetti Ăš uno di quelli che raramente prendono in considerazione strumenti che esulino dai consueti giradischi, radio, registratori, microfoni e gli oggetti che in qualche modo a questi si legano.



Nato a Bolzano nel 1976.
Alla fine degli anni ‘90, dopo aver suonato in varie formazioni noise/hc, intraprende l’attivitĂ  di organizzatore free-lance di eventi musicali nell’area bolognese, allargando il suo interesse alla musica sperimentale in tutte le sue forme. Affascinato dalle possibilitĂ  date dal djing entra a far parte del collettivo sonic belligeranza, con il quale esplora le connessioni tra il noise e l’elettronica ritmica, il dub e la sperimentazione sonica. Da qualche anno concentra il suo lavoro sul recupero e la riutilizzazione di materiali e congegni tecnologicamente inattuali (giradischi, radio, grammofoni, audiocassette) per trarne un tessuto sonoro denso e pieno di implicazioni dal forte impatto narrativo. Suona in solo, in duo con Valerio Tricoli (PowerAntenna), 3/4HadBeenEliminated, Zurich Against Zurich, Hypnoflash e con OLYVETTY. Ripensando le sue radici sta approntando un nuovo set, crashcars for the ravers, basato unicamente sul djing e il noise. Fa parte del collettivo/etichetta Bowindo (

Ha scritto e scrive per diverse fanzine, tra le quali itself, ex-zine e uovo. Ha organizzato piĂč di cento concerti di musica sperimentale in tutto il nord italia. Tra i selezionati della scuola di cinema documentario zelig (1997), continua ad interessarsi alla realizzazione di colonne sonore e all’esplorazione a ritroso della storia della musica sperimentale. Nel 2004 ha realizzato, insieme a e.g.0., hkdreaming lavoro audio/video ispirato al cinema estremo orientale (selezionato al festival live!iXem ‘04)

Hanno scritto articoli e interviste: The Wire, Blow Up, Broken Face, Flash Art, Exibart, Rumore, Phospor, The Sound Projector, Il Manifesto, La Repubblica, Paristransatlantic, Dusted Magazine, Musicworks, Sand-zine, Altri Suoni… alcune composizioni sono state trasmesse da: Resonance FM, Radio 3 Rai, Radio Onda Sonora (Spagna)

Principali festival:
netmage, 2008: flora, 2007: sonambiente, 2006: Epsilonia, 2006: transmediale 06, 2005: live!Ixem, 2004: Risonanze, 2004: centras4tallin, 2004: superfici sonore, 2003

sonic belligeranza (12″, sb 2000)
driving like a turinese (cd-split, wallace 2003)
the work called kitano (cd, barlamuerte 2003)
but speak fair words (cdr, s’agita recordings 2003)
3/4HadBeenEliminated (cd, bowindo 2004)
hkdreaming (w/e.g.0., audio/video improvisation 2004)
pocket progressive (w/l.sigurtĂ , fhievel, cd, creativesources 2005)
i could go on singing (3″cd, wallace 2005)
3/4HadBeenEliminated A Year of the Aural Gauge Operation (cd, hapna, 2005)
3/4HadBeenEliminated DimethilAtonalCalcine (7″, private press, 2006)
the red tower (cd, eurac research center, 2006)
ZurichAgainst Zurich harsh dub box (6 floppy disk, lonlongchaney, 2007)
davidleeroth (mc, longlongchaney, 2007)
3/4HadBeenEliminated Theology (cd, soleilmoon, 2007)
3/4HadBeenEliminated The Religious Experience (lp, soleilmoon, 2007)
Another piece of teenage wildlife (cd, die schachtel, 2008) -


ANDREA BELFI biography

He was born in Verona in 1979.
He started studying drums at the age of 14, and has featured in various punk/hardcore bands ever since.
Between 1998 and 2001 he lived in Milan where he attended Alberto Garutti’s contemporary art course, who helped him develop a wider understanding of art.
In 2000 he co-founded Rosolina Mar, an instrumental rock trio, whose albums have been released by the Italian label Wallace Records. With this rock-band he toured around Italy, France and Spain, playing over 150 gigs.
In the meantime he studied elettroacustic composition and improvvisation.
In 2002 he self-produced, with his own label Chocolateguns, his first solo record ìNed n∞2ü , which received excellent reviews (The Wire, Bananafish).With the same label he produced in 2004 the band Kriminal Museum (Zeno de Rossi, Jamie Saft, Ted Reichman, Biggan Krauss).
He is a fouding member of Medves, which features also Giuseppe Ielasi, Francesco Dillon Wanke, Stefano Pilia and Renato Rinaldi.
Medves LP was released in 2005 by Fringesrecordings.
Since 2003 Belfi has been developing a solo liveset, where he uses his drummerĂ­s skills along with his long-time researches with electroacustic devices and synthezisers.
His second solo album ĂŹBetween Neck & StomachĂź was released in September 2006 by the swedish label Hapna.
This album was well reviewed by magazines and net Ă­zines such as The Wire, Vital Weekly, Boomkat, All Music Guide.
The real victory of BelfiĂ­s astonishing record is the ease of its cohabitation of melody and experiment. Few do it so wellĂź (Jon Dale, December 2006, the Wire magazine)
He has been touring along Europe presenting this album, with label mates and long time collaborators ĂŠhasbeeneliminated during 2006Ă­s fall, playing in Stockholm, Paris, Gent, London, Berlin and many other cities.
From 2005 he started a new project named Christa Pfangen after Andy Warhol’s muse Nico. Christa Pfangen is a duo featuring Andrea and the guitar player Mattia Coletti. The two recorded the CD ĂŹWatch me getting back the endĂź, which was released in January 2007 by Die Schachtel, which entered in the list of the ten most listened records published by The Wire in March 2007. Christa Pfangen played in Holland and Belgium and featured in the radio program Dwars for the Holland national broadcasting system VPRO.
Andrea collaborates also with HomeMovies, an association which collects and re-assembles old family movies: Andrea’s role, often along with Stefano Pilia and Valerio Tricoli, is to play over these mute movies.
Andrea’s constant concern and interest, as one can clearly see from the whole of his work, is the live and performative moment.
His last solo work called ĂŹKnotsĂź, recorded & produced by Giuseppe Ielasi, it has just been released by Die Schachtel records.
He played and collaborated with Giuseppe Ielasi, éhadbeeneliminated. Valerio Tricoli, Damo Suzuki, Tony Conrad, Nicola Ratti, Dean Roberts, Atelier MTK(Metamkine), Stefano Pilia, ≈, Claudio Rocchetti, Xavier Garcia Bardon
(aka Saoule), Alessandro Bosetti. Xabier Iriondo, Mattia Coletti, Renato Rinaldi, Larkin Grimm.

Selected Discography:

-Andrea Belfi ĂŹKnotsĂź, CD (Die-Schachtel 2008)
-Andrea Belfi, ĂŹRibĂź in Aa/Vv ĂŹCrows fo the worldĂź double CD (Last Visibile Dog 2005)
-Christa Pfangen, ĂŹwatch me getting back the endĂź, CD (Die-Schachtel 2007)
-Andrea Belfi, ĂŹBetween Neck & StomachĂź, CD (Hapna 2006)
-Den&BreadFast, ĂŹacoustic&semiacousticĂź, CD-R (Sachimay Interventions 2006)
-Rosolina Mar, ĂźBefore & After DinnerĂź, CD/LP (Wallace 2006)
-Andrea Belfi/Stefano Pilia, ĂŹCuora YuannanenisĂź in Aa/Vv ĂŹInvisibile Pyramid:Elegy BoxĂź 6CD-BOX
(LastVisibileDog 2005)
-Andrea Belfi/Mattia Coletti, ĂŹkey on a tongueĂź, 3Ăź CD-R (Frame 2005)
-Medves, ĂŹlives in MedvesĂź, LP (Fringes recordings 2004)
-Andrea Belfi/RCF, ĂŹFata MorganaĂź, CD-R (SĂ­agita 2003)
-Rosolina Mar, ĂŹS/TĂź, CD (Wallace 2003)
-Andrea Belfi, ìNed n∞2ü, CD-R (Chocolateguns 2001

More info:


Nicola Ratti

bases his music upon the search for a personal language that is capable of joining together basic song structure, electro-acoustic experimentation, and the use of sounds extracted from the environment in which we live with a sensibility that ranges from improvisation to the almost artiginal construction of sound. The use of voice and words compete to create a result full of nuance and discovery within compositions open to both formal and emotional points of view.

Born in Milan in 1978, Nicola began his musical career playing guitar and singing lead vocals for the band Pin Pin Sugar, a math-rock groupe in which he played until their eventual break up in 2004. After releasing a limited, self-produced 10Ăź Ep, he released his official solo debut album on the Italian label Megaplomb that was ranked as one of the 25 best releases of 2006.

He is currently working with Giuseppe Ielasi with whom he formed the project entitled ĂŹBellowsĂź (produced by Kning disk). He also works with the Morriconian soundtrack-band Ronin and has collaborated in various live performances with Andrea Belfi, Dean Roberts, Oren Ambarchi, and Phill Niblock.

The next album ĂŹFrom the desert came saltwaterĂź will be release on March 2008 by the New York-based Anticipate recordings.

The search for descriptive methods within a contemporary field through the use of sound, and the ability to ĂŹcreate enviromentĂź with sound and its identity as an territorial element are points where the activity of the musician and the architect converge. Nicola Ratti has had the opportunity to work on these themes within various exhibitions and events dealing with architectural and urban spaces.


Pin Pin Sugar ñ Latex Duellos 2003, Megaplomb/Bar la Muerte

AAVV ñ Fadiiing Echoes 2005, Afe Records

Nicola Ratti ñ One Day With My Fishing Umbrella 2005 10ß Ltd

Nicola Ratti ñ Prontuario Per Giovani Foglie 2006, Megaplomb

Ronin ñ Lemming 2007, Ghost Rec.

Bellows (Giuseppe Ielasi, Nicola Ratti) ñ s/t 2007, Kning disk

AAVV ñ Summer tour remix, 2007 Anticipate recordings


ViViMi, Citt‡ di Citt‡, Triennale Milano, giugno ñ luglio 2007

Andrea De Carlo legge De Carlo, Casa della Cultura Milano, 12 ottobre 2007


Markus Eichenberger
* 1957. Lebt in ZĂŒrich und Menzberg (LU).
Klarinettist, Improvisator, Klanginstallateur, Komponist, Musiklehrer, MusikschulprĂ€sident. Improvisationsworkshops. Improvisierte Musik seit 1977 in verschiedensten Gruppen und Projekten. Seit 1982 Soloprojekte. Mehrere Platten und CD-Produktionen. Konzerte in ganz Europa. Radio- und Fernsehsendungen. ProduktionsbeitrĂ€ge von Stadt und Kanton ZĂŒrich, Kuratorium des Kanton Aargau, Pro Helvetia und mehreren Stiftungen. Kompositionspreis des WDR (92), Prix Cultura der Kiwanis-Foundation (98) sowie Kompositionsauftrag der Stiftung Pro Helvetia fĂŒr DOMINO (2000). Preis 2004 des Vereins Wirtschaft und Kultur, Willisau.

Carlos Baumann
trompettiste improvisateur. NĂ© Ă  GenĂšve en 1963, Carlos Baumann Ă©tudie la trompette au Conservatoire de Musique, et donne ses premiers concerts de jazz Ă  l’ñge de 15 ans.
C’est Ă  l’AMR qu’il rencontre Maurice Magnoni, Jacques Siron, Jacques Demierre, avec lesquels il jouera rĂ©guliĂšrement par la suite.
Membre de la Fanfare du Loup, il participera notamment à des créations théùtrales en compagnie du metteur en scÚne Jean-Louis Hourdin.
Il fera partie durant 10 ans de l’aventure initiĂ©e par Hans Kennel, Mytha-The Contemporary Alphorn Orchestra, formation de cors des Alpes participant Ă  de nombreux projets musicaux et scĂ©niques, souvent Ă  l’étranger.
Le Big-Band de Lausanne lui donnera la possibilitĂ© de collaborer avec Joe Lovano notamment, ainsi que Jon Faddis lors de l’enregistrement de l’”Ellington Sacred Music”.
Il sera membre de la Compagnie d’Eustache de Jean-François Bovard, à l’occasion du spectacle Flibuste.

C’est avec le saxophoniste Ohad Talmor qu’il travaillera rĂ©guliĂšrement, et qu’il croisera Lee Konitz, ainsi que Steve Swallow et Michael Sarin, au sein du quartet Muses.
De son cĂŽtĂ©, Carlos Baumann crĂ©e le groupe Schizodie, puis le concept Music’inTime et le quatuor de cuivres Vent d’Ailleurs, projets situĂ©s Ă  la frontiĂšre entre tradition du jazz et improvisation libertaire.
Il compose et arrange également de nombreuses piÚces, y compris dans le domaine du théùtre ou de la musique classique.
C’est ce qui le conduit Ă  Ă©tudier la direction d’orchestre, en compagnie d’Eric Bauer, lui permettant depuis de diriger l’EMUB, Ensemble instrumental des usines Bobst, Ă  Lausanne.

Christian Hartmann
1957 in Zug geboren, aufgewachsen in Baar, nach der Schule dreijÀhrige Lehre als Koch.
Berufsstudium an der Musikhochschule Luzern ( Kontrabass ).
Seit 1985 in Luzern wohnhaft.
LehrtÀtigkeit an diversen Musikschulen der Zentralschweiz ( Kontra - und E-Bass ).
Mitwirkung in verschiedenen Orchestern, hauptsÀchlich barocker Art, Radio-Hörspiel-
vertonungen, Theatermusik und Improvisation mit Jazzeinschlag, sowie Tango Nuevo.
Spiele mehrheitlich in Kleinformationen, Solo, Duo bis Quartett.
Arbeite als Musiker, freischaffender Fotograf und Koch.

Ivano Torre
Musicista, percussionista, compositore e insegnante die batteria, strumenti africani e ritmica.
Ivano Torre abita il pianeta terra dal 1954, messo al mondo da padre siciliano e madre valtellinese.
E subito attratto da tutto cio che produce suono attraverso l’atto percussivo. Muove i primi passi in un complesso di musiche da ballo e rock. Rapito dalla pulsazione
„ swingante“ del jazz e dai grandi batteristi, si dedica intensamente allo studio della batteria e del tamburo, partecipando a vari seminari. Lavora per alcuni anni in un scuola di danze come percusssionista. A meta degli anni 80 inizia a prodursi concerti „solo“. L’attivita successiva comprendre composizioni ed esecuzioni per opera teatrali e musiche da film, a cui fanno seguito collaborazioni con artisti attivi in area multimediale, progetti fra teatro e pittura, conttaminazione fra recitazione, improvvisazione e danza. Suona e tiene seminari in Svizzera e all’estero (Germania, Francia, Bielorussia, Finlandia, Haiti), collaborando con svariati artisti. Molto importante l’attivita didattica, ù autore del „Nuovissimo metodo di ritmica“ e del metodo per lo studio del djembe, edito da Ricordi, sono in preparazione altri due metodi di solfeggo e di batteria.